Utah Symphony and Music Director Thierry Fischer Perform Mahler Symphony No. 1 on a New Album To Be Released by Reference Recordings on September 11

Cover Sacd Utah SymphonyAugust 24, 2015 — Honoring the orchestra’s 75th-anniversary season, Music Director Thierry Fischer and the Utah Symphony release their first recording together on September 11, 2015, featuring a performance of Gustav Mahler’s Symphony No. 1 “Titan,” recorded live in Maurice Abravanel Hall in Salt Lake City, UT on September 12 and 13, 2014.

The new hybrid SACD, released by Reference Recordings, further honors the legacy of former Music Director Maurice Abravanel, who led the orchestra in the first complete Mahler Symphony cycle ever recorded by an American orchestra for the Vanguard label, between 1963 and 1974. [For further information on the Utah Symphony’s Mahler cycle and history click here.]

The Fall 2014 performances of Mahler’s First Symphony marked the launch of a two-year performance cycle of the composer’s complete symphonic works. The Utah Symphony and Mr. Fischer performed the first four symphonies in the 2014-15 season and will complete the cycle this season with Symphonies Nos. 5 through 9.

“Vibrant, dynamic, and well-defined,” wrote critic Edward Reichel in his review of the September 12, 2014 performance. “All of the musicians played magnificently. One can only hope this is the beginning of a long series of recordings.”

The album is available for pre-order on iTunes and Amazon. After the September 11 release date, the CD will also be available for purchase through the Utah Symphony’s online store and gift shop at Abravanel Hall.

“It is an honor to continue the glorious legacy of Maurice Abravanel by recording Mahler’s Symphony No. 1 ‘Titan,’ ” said Mr. Fischer. “I am so proud that we have together reached a point of artistry where we are ready to enter the intense, moody, dramatic, and extreme world of this monumental composer.”

Mahler’s Symphony No. 8, the “Symphony of a Thousand” will be recorded live with Mr. Fischer, the Utah Symphony, and Mormon Tabernacle Choir on February 19 and 20, 2016; the album is scheduled for release in 2017. Scheduled for release in Spring 2016 is a live recording of three world premiere works by acclaimed American composers Nico Muhly, Andrew Norman, and Augusta Read Thomas, all commissioned by the Utah Symphony.

The Utah Symphony and Mr. Fischer further celebrate the orchestra’s 75th anniversary with a concert at Carnegie Hall on April 29, 2016 performing Haydn’s Symphony No. 96, Bartók’s Suite from The Miraculous Mandarin, the New York premiere of a Utah Symphony-commissioned percussion concerto by Andrew Norman featuring Colin Curie, and Strauss’s Suite from Der Rosenkavalier. The orchestra will perform the same program at the Krannert Center for the Performing Arts in Champaign-Urbana, IL on April 27, 2016.

Additional highlights of the 2015-16 season include a two-week Beethoven Festival and cycle of the composer’s complete symphonies; world premieres of an orchestral work by Nico Muhly and Andrew Norman’s percussion concerto “Switch”; and collaborations with five of the state’s great cultural organizations including Utah Opera, Ballet West, Utah Shakespeare Festival, Mormon Tabernacle Choir, and The Madeleine Choir School.

Thierry Fischer, Music Director of the Utah Symphony Orchestra since 2009, has revitalized the orchestra with creative programming and critically acclaimed performances that have drawn consistently full houses. Highlights of his tenure include complete Beethoven and Nielsen cycles, a multi-season Haydn symphony cycle and the Mighty 5® tour of Southern Utah’s National Parks. Mr. Fischer has also initiated a major commissioning program in Utah that has produced new works by Simon Holt, Michael Jarrell, Nico Muhly, Andrew Norman, and Augusta Read Thomas. His recordings include Frank Martin’s opera Der Sturm with the Netherlands Radio Philharmonic Orchestra and Chorus, works by Honegger and Stravinsky with the BBC National Orchestra of Wales and Beethoven’s piano concertos with the London Philharmonic Orchestra and Louis Schwizgebel. Mr. Fischer began his music career as Principal Flute in Hamburg and at the Zurich Opera. He made his conducting debut in his 30s leading the Chamber Orchestra of Europe. He served as Principal Conductor and Artistic Advisor of the Ulster Orchestra from 2001-06 and Chief Conductor of the Nagoya Philharmonic from 2008-11 (now the orchestra’s Honorary Guest Conductor), and Principal Conductor of the BBC National Orchestra of Wales from 2006-2012. Mr. Fischer also has a busy guest-conducting schedule, appearing with leading orchestras worldwide such as Boston Symphony, Atlanta Symphony, Detroit Symphony, London Philharmonic, BBC Symphony, Oslo Philharmonic, Bergen Philharmonic, Rotterdam Philharmonic, Orchestre de la Suisse Romande, Salzburg Mozarteumorchester.

The Utah Symphony is one of America’s major symphony orchestras and a leading cultural organization in the Intermountain West. It is recognized internationally for its distinctive performances, commitment to music education programs, and recording legacy. Founded in 1940, the Utah Symphony became recognized as a leading American ensemble largely through the efforts of Maurice Abravanel, Music Director from 1947 to 1979. During his tenure, the orchestra undertook four international tours, released numerous recordings and developed an extensive music education program. The Utah Symphony has performed in many of the world’s most prestigious concert halls including Carnegie Hall, at the Kennedy Center, Musikverein, Konzerthaus, Philharmonie, Schauspielhaus, Gewandhaus, Royal Festival Hall and Teatro Colón. In addition to numerous regional and domestic tours, including most recently the Mighty 5® Tour to Utah’s national parks, it has embarked on seven international tours. The orchestra has released more than 100 recordings and has been nominated for Grammy Awards for albums with Maurice Abravanel (Honegger’s Le Roi David, Bloch’s Sacred Service and Stravinsky’s Symphony of Psalms) and Michael Tilson-Thomas (Copland’s Old American Songs).

Reference Recordings, founded in 1976, is based in San Francisco, with multiple Grammy® awards and a catalog that includes numerous American and international orchestras, ensembles and choruses. FRESH! is part of Reference Recordings’ mission to encourage unique and fine artists, and give them a strong platform for promotion and sales nationally and internationally. Reference Recordings are distributed in North America by Naxos USA, and internationally through a network of independent distributors.

For more than 40 years, Soundmirror has been the first choice recording and post-production company for orchestras, choral groups, opera companies, solo artists, and record labels. Soundmirror’s recordings have received over 70 Grammy® nominations and awards as well as special commendations from prestigious publications. The Utah Symphony’s Mahler Symphony No. 1 was recorded and post-produced in 64fs DSS on a Pyramix workstation by producer Dirk Sobatka and engineer John Newton, with mixing and mastering by Mark Donahue, all of Soundmirror in Boston.

UTAH SYMPHONY Reference Recordings
Thierry Fischer, Music Director and Conductor FR-715 SACD

Mahler Symphony No. 1 “Titan”

  1. Langsam. Schleppend. Wie ein Naturlaug
    – Immer ser gemächlich 15:27
    2. Kräftig bewegt, doch nicht zu schnell 7:41
    3. Feierlich und gemessen, ohne zu schleppen 10:46
    4. Stürmisch bewegt 18:59

Total:  52:55
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Kirill Gerstein Wins 2015 Echo Klassik Concerto Recording of the Year for Tchaikovsky’s Piano Concerto No. 1 in Composer’s Own 1879 Version of the Score

Copertina cd GersteinAugust 24, 2015 – Pianist Kirill Gerstein has received an ECHO Klassik Award––Germany’s equivalent of the American Grammy Award and one of the most important and well known music awards in the world––in the category “Concerto Recording of the Year (19th Century Music)” for his world premiere recording of the 1879 version of Tchaikovsky’s first Piano Concerto and Prokofiev’s Piano Concerto No. 2 in G minor, Op. 16, performed with the Deutsches Symphonie-Orchester Berlin and conducted by James Gaffigan. The recording was released in the U.S. in March 2015 by Myrios Classics.

For the recording, Mr. Gerstein was granted special access from the Tchaikovsky Museum in Klin (Moscow) to new score material based on the latest musicological research and Tchaikovsky’s own conducting score from his last public concert. A new critical Urtext edition of the score was published by the Tchaikovsky Museum in 2015 in association with the 175th anniversary of the composer’s birth.

Kirill Gerstein said, “When I first heard of the research by the Tchaikovsky archive in Klin into the urtext version of Tchaikovsky’s First Piano Concerto, I knew that this was a project I wanted to be involved in.  Since then, it has been my mission to draw attention to the version of this concerto that Tchaikovsky himself conducted.  I am honored and thrilled by the recognition awarded our recording by the ECHO Klassik Prize.”

Tchaikovsky’s Piano Concerto No. 1 exists in three versions. Despite negative criticism from pianist Nikolai Rubinstein, Tchaikovsky had the first version of the concerto published in 1875. The second version, which has been recorded here, incorporated small practical adjustments to the piano part made by Tchaikovsky. It was published in 1879 and used by him in subsequent performances including on tour during his only visit to America in 1891 with concerts in New York for the opening of Carnegie Hall, Philadelphia, Baltimore, and Washington DC; and in 1893 at the last concert he conducted.  Tchaikovsky died within days of this performance, and the third version of the Concerto was published a year after his death. According to Mr. Gerstein, it “contains a number of editorial changes that differ from the text of Tchaikovsky’s own score, were not authorized by him and made posthumously.”

Paired with Tchaikovsky’s Piano Concerto No. 1 is Prokofiev’s second Piano Concerto, which for very different reasons also exists in a revised edition. As Mr. Gerstein explains, “composed in 1913, Prokofiev left the original manuscript of the second concerto in Russia and during one of the cold winters during the tumultuous period of the Russian revolution the score was used by his neighbors for heating the stove. He reconstructed and revised the composition premièring the second version of the concerto in Paris in 1924.”
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Dal 21 agosto al 9 settembre quattro appuntamenti nell’ambito della prima edizione del Festival Cilento Classica

Manifesto Festival Cilento Classica jpgQuattro eccezionali eventi musicali, affidati alla direzione artistica del maestro Diego Raphael Fortunato, caratterizzano la prima edizione del Festival Cilento Classica.
L’Ensemble Gesualdo compie 10 anni di attività e vuole festeggiare in musica con tutti gli amici che hanno seguito gli spettacoli proposti in questo tempo.
Il primo appuntamento lo scorso 21 agosto presso il Convento di Mercato Cilento con un solista di eccezione: Antonio Saturno chitarrista con l’Ensemble Gesualdo alle voci e Aniello Rossi al flauto.
Musiche di Turina, Lorca, Rodrigo e musiche popolari dalla tradizione greca e spagnola.
Nutrito il pubblico, per un programma ricercato, che ha spaziato dalla cameristica alla canzone d’autore con ispirazione mediterranea.
Immancabili gli omaggi alla musica argentina con Piazzolla e a quella brasiliana con Ovalle e Villa-Lobos.
Antonio Saturno virtuoso della chitarra ha inoltre dedicato con sentita partecipazione del pubblico, una sua rielaborazione di celebri danze spagnole.
Il prossimo spettacolo è previsto per il 2 settembre presso la Basilica Paleocristiana di Paestum.
Atteso il ritorno nel Cilento della celebre violinista Maria Safariants, direttore artistico del Festival dei Palazzi di San Pietroburgo.
La signora Safariants già applaudita lo scorso anno presso il teatro municipale di Laurino (SA) venne insignita con l’Ensemble Gesualdo della Medaglia del Presidente della Repubblica.
A Paestum la signora Safariants sarà accompagnata dal bravissimo Keith Goodman al pianoforte e dal tenore Diego Raphael Fortunato.
Musiche di Tchaikovsky, Saint-Saëns, Vitali, Giordano, Cilea.
Il 6 settembre sarà la volta del comune di Torchiara presso Piazza della Torre dove si terrà l’incontro intervista con uno dei più importanti maestri compositori della scuola napoletana del ‘900, Enrico Renna, per scoprire attraverso le sue parole il percorso che la musica sta attraversando nel corso di questi ultimi decenni.
La serata sarà inframezzata dagli interventi musicali del maestro Gennaro Franco tratti dalla scuola napoletana del ‘700 e del ‘900.
Infine, il 9 settembre, il concerto del Comune di Rofrano con un gruppo di giovani promettenti musicisti salernitani che stanno conquistando importanti concorsi nazionali ed internazionali: il Salerno Piano Trio.

Gli spettacoli sono ad ingresso libero ed hanno inizio alle ore 21.
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Lunedì 24 agosto sassofoni e musica elettronica per il gran finale di “Suoni dal Castello” del Camerota Festival

Mediterranean Sax Quartet

Mediterranean Sax Quartet

Lunedì 24 agosto, a cominciare dalle ore 21, ultimo appuntamento con il cartellone che ha entusiasticamente animato l’incantevole cortile del Castello Marchesale di Camerota, con cinque serate per sette concerti, parte di un progetto dell’Associazione Culturale-Musicale Zefiro, presieduta da Giuseppe Marotta e diretta dal compositore Leo Cammarano.
Una rassegna, “Suoni dal Castello”, del Camerota Festival, giunta alla sua III edizione, composita che ha unito interessanti performance spazianti tra diversi generi musicali, alla formazione delle masterclass, sostenuta dal Comune e dalla Pro Loco di Camerota, unitamente al Meeting del Mare e al Conservatorio di Musica “Giuseppe Martucci” di Salerno, oltre ad un folto cartello di mecenati privati.
La serata d’addio sarà inaugurata da un primo set dedicato alla musica elettronica.
Sei autori per degli “Incontri acusmatici” per avvicinare la platea alla ricerca elettroacustica ed elettronica che ha vissuto e continua a vivere una felicissima stagione in ogni parte del globo.
Gli incontri saranno inaugurati da Michele Barbato, che rilegge il mito di Amore e Psiche in “Passaggio di stati fisici di Psiche….in cerca di Eros”, un viaggio affannoso il cui pegno del gesto sarà la passione della metamorfosi: dal materiale all’immateriale, fino all’infinito-finito.
Mario Buoninfante proporrà, invece Studio II, una sorta di “colonna sonora”, la cui idea è quella di riproporre in musica la situazione in cui un pensiero viene “disturbato” da elementi esterni (altri pensieri) che nel tempo prendono il sopravvento divenendo essi stessi parte del pensiero principale, distorcendolo.
Di Alberto Giordano verrà eseguita RiEvoluzione- La Nascita, in cui ogni suono è stato creato (quindi è nato) utilizzando la sintesi FM sia semplice che a doppia modulante.
Il suono principale del brano si basa sull’idea di una nascita del tutto, in contrapposizione e fusione tra il lato divino positivo, il lato divino negativo e il lato umano.
A seguire Alba d’oro di Silvia Lanzalone, ultima parte di un trittico del 2009, ispirato da un quadro del padre, un’alba ultramondana, rivelata attraverso la seducente esibizione degli uccelli che, festosi testimoni di giochi scintillanti e di rilucenti bagliori, offrono i loro canti come riflesso della luce che ne pervade e ne avvolge il corpo e lo spirito.
Viviana Palladino presenterà “In Synthesis”, un insieme di sintesi, elaborate in Ring Modulation, che produce un timbro graffiante che muta, si evolve e si trasforma con movimenti del tutto inaspettati che sorprenderanno l’ascoltatore e che lo condurranno fino all’exploit finale.
Gli incontri saranno chiusi da “De la terre à la lune”, per nastro composto da Giancarlo Turaccio nel 2005, un omaggio al celebre romanzo di Jules Verne, ma anche un richiamo a qualcosa che è comune a tutti noi: i luoghi della memoria spesso impalpabili e inaccessibili.
Una composizione “gravita nel vuoto”, il senso di sospensione del tempo, da cui emergono le risonanze “terrestri” di un pianoforte che suona una “Romanza senza parole” di Mendelssohn.
Secondo set con inizio alle ore 22 con il Mediterranean Sax Quartet che schiera Deborah Batà al sax soprano, Gerardo Mautone all’alto, Vincenzo Varriale al tenore e Michele D’Auria al baritono.
Apertura con la piccola fuga BWV 578 in Sol minore di Johann Sebastian Bach appartenente al periodo di Arnstadt, detta “la piccola” per distinguerla dalla fantasia e fuga nella medesima tonalità (BWV 542).
Tale epiteto non vuole essere riduttivo, e anzi non toglie nulla al prestigio e alla celebrità del pezzo, il cui tema di poco più di quattro battute è uno dei più conosciuti e fortunati spunti melodici di Bach,
Si proseguirà con i tre movimenti del Petit Quatuor di Jean Françaix, opera giovanile del 1935 che mette in luce il sagace umorismo di stampo neoclassico del compositore e pianista francese.
La formazione racconterà, quindi, l’Histoire du Tango, suite composta nel 1986 (originariamente per flauto e chitarra) da Astor Piazzolla, che nei suoi quattro capitoli, il malizioso “Bordel 1900”, l’intimista “Café 1930”, l’avvolgente “Night-club 1960”, il brioso “Concert d’aujourd’hui”, scandisce con accenti sempre nuovi l’ascesa del ballo argentino dai bassifondi di Buenos Aires alla più raffinata scena internazionale.
Ancora un Tango, stavolta Virtuoso di Thierry Escaich e l’immancabile Libertango di Piazzolla, prima di chiudere con la Suite Hellénique dello spagnolo Pedro Iturralde, collaboratore di Paco de Lucia, pagina che rappresenta uno dei risultati più alti dell’ispirazione del compositore iberico: in essa la distinzione tra classico, jazz e popolare, perde ogni significato e antiche danze e canti popolari rivivono in una incalzante antitesi di ritmi e armonie.

Ingresso libero

Info:
acmzefiro@gmail.com
http://associazionezefiro.altervista.org/

L’ufficio stampa della manifestazione
Olga Chieffi
cell.: 347/8814172

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Il pianista Kirill Gerstein interpreta in prima mondiale il Concerto per pianoforte e orchestra n. 1 di Ciaikovskij nella versione del 1879

Copertina cd GersteinIl Concerto per pianoforte n. 1 in si bemolle minore, op. 23 di Ciaikovskij è forse uno dei brani di musica classica più conosciuti in assoluto.
Nonostante ciò, il pezzo conobbe un iter particolarmente sofferto, a partire dal momento in cui, nel 1874, l’autore russo sottopose il primo dei tre movimenti a Nikolaj Rubinstein, direttore del conservatorio di Mosca nonché affermato pianista.
Quest’ultimo, al termine dell’audizione, definì il lavoro “ineseguibile”, probabilmente per l’uso fortemente percussivo del pianoforte nelle battute iniziali, e cercò di convincere il musicista ad apportare una serie di sostanziali modifiche.
Fortemente convinto della bontà della sua creazione, Ciaikovskij decise allora di farlo esordire lontano dalla Russia, affidandolo a Hans von Bülow, che lo suonò a Boston nel 1875, durante una sua tournée americana, riscuotendo unanimi consensi.
Sulla scia del successo statunitense, il concerto fu proposto il mese successivo a S. Pietroburgo, con Gustav Kross al pianoforte, ricevendo un’accoglienza molto tiepida.
Completamente opposta fu, tre settimane dopo, la risposta del pubblico di Mosca, che ascoltò il brano nell’interpretazione di Sergej Taneev, diretto da Rubinstein (evidentemente tornato sui propri passi).
In seguito Ciaikovskij cambiò in più punti la parte pianistica, dando vita ad una nuova versione, pubblicata nel 1879 dall’editore Jurgenson, ben presto soppiantata da quella, oggi universalmente nota, data alle stampe postuma nel 1894, che si deve presumibilmente ad Alexander Siloti, giovane allievo di Ciaikovskij.
In occasione dei 175 anni dalla nascita di Ciaikovskij e dei 140 anni dalla “prima” del Concerto n. 1, il Museo Ciaikovskij di Klin ha curato la pubblicazione delle partiture originali delle versioni del 1875 e del 1879, quest’ultima basata in particolare su uno spartito utilizzato dall’autore in persona, nell’ultima sua apparizione in pubblico del 1893.
Tale versione ha rappresentato il principale punto di riferimento per il pianista russo Kirill Gerstein che, in prima mondiale, ha inciso il brano con la Myrios Classics (casa tedesca distribuita in Italia da Ducale Music), abbinandolo al Concerto n. 2 in sol minore per pianoforte e orchestra, op. 16 di Sergej Prokofiev, altro pezzo caratterizzato da una storia piuttosto particolare.
Infatti la partitura originale del brano, che aveva avuto la “prima” nel 1913 a Pavlosk, venne distrutta durante la Rivoluzione russa.
Grazie alla sua memoria, e ad una trascrizione per due pianoforti, salvata dalla madre, Prokofiev riportò in vita il concerto che, come lo conosciamo adesso, esordì a Parigi nel 1924.
Un breve sguardo ora agli esecutori, per sottolineare innanzitutto la bravura di Kirill Gerstein, che si confronta con due concerti caratterizzati da notevoli difficoltà (in particolare quello di Prokofiev è stato equiparato, per la sua complessità, al Concerto per pianoforte n. 3 di Rachmaninov).
Ottima risulta anche la prova dell’Orchestra Sinfonica Tedesca di Berlino, diretta da James Gaffigan, contraddistinta da grande compattezza in tutte le sezioni.
L’insieme contribuisce ad un’incisione molto interessante, corredata da un libretto di accompagnamento quanto mai esauriente, che ha appena meritatamente ricevuto l’ECHO Klassik Award (equivalente tedesco del “Grammy”) come “migliore registrazione dell’anno relativa ad un brano del XIX secolo”.
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Mercoledì 26 agosto concerto dell’Ensemble Barocco di Napoli al Complesso Monumentale dello Jesus di Auletta (Sa)

Locandina Ensemble Barocco 26 agostoMercoledì 26 agosto 2015, alle ore 20.30, ad Auletta (Sa), presso il Complesso Monumentale dello Jesus, la Fondazione MIdA, in collaborazione con Dissonanzen, presenta il concerto “Barocco colto e popolare”, con la partecipazione dell’ Ensemble Barocco di Napoli, nell’ambito del Progetto “Campania: dal Barocco al Contemporaneo” Progetto PAC III Promozione e Valorizzazione del patrimonio culturale della Campania DGRC 225 DEL 12/7/2013,

In programma musiche di Galilei, Falconiero, Corelli, Uccellini, Leo, Sammartini

Ingresso gratuito

L’utilizzo di formule tratte dalla tradizione popolare è una caratteristica di tutte le epoche, ma certamente tra XVI, XVII e XVIII secolo questa tendenza segnò profondamente lo stile musicale di molti autori.
Con il concerto “Barocco: colto e popolare” l’Ensemble Barocco di Napoli, per l’occasione formato da Tommaso Rossi e Raffaele Di Donna ai flauti, Patrizia Varone al clavicembalo e Ugo Di Giovanni all’arciliuto, affronta un piccolo viaggio nella sonata da camera italiana tra XVII e XVIII secolo, recuperando alcune composizioni dove l’utilizzo delle forme popolari del basso ostinato è stato lo stimolo per la composizione.
Si confrontano quindi lo stile popolare delle composizioni seicentesche di Uccellini, Falconiero, che utilizzano i bassi di danza della Follia, della Bergamasca e della Tarantella, con quello colto del Contrappunto, della Sonata e del Concerto di Galilei, Corelli, Leo, Sammartini.

L’Ensemble Barocco di Napoli è stato costituito su iniziativa di Tommaso Rossi, Raffaele Di Donna e Marco Vitali e ha esordito il 2 maggio del 2010 in occasione del 350° anniversario della nascita di Alessandro Scarlatti.
Il gruppo è costituito da musicisti da anni attivi nelle più importanti compagini di musica antica italiane.
Nel corso del 2013 il gruppo si è esibito al Festival Cusiano di Musica Antica, nella stagione estiva del teatro dell’Opera Giocosa di Savona e nell’ambito del Festival Leonardo Leo.
Con l’etichetta Stradivarius ha pubblicato due cd: uno dedicato alle Cantate e Sonate con flauto di Alessandro Scarlatti con il soprano Valentina Varriale, l’altro dedicato alle sonate per flauto di Leonardo Leo, entrambi recensiti positivamente dalla critica nazionale e internazionale.
Nello scorso gennaio l’Ensemble ha suonato nella stagione in abbonamento dell’ “Associazione Scarlatti” con il soprano Maria Grazia Schiavo.
L’Ensemble ha organizzato nel 2014 a Pertosa il corso di musica antica “Musiche da ricordare” in collaborazione con la Fondazione MIdA.

La Fondazione MIdA (Musei Integrati dell’Ambiente) nasce nel 2004 ed è costituita dalla Regione Campania, dalla Provincia di Salerno e dai comuni di Auletta e Pertosa.
Gestisce le Grotte di Pertosa-Auletta, l’unico sito speleologico in Europa dove è possibile navigare un fiume sotterraneo addentrandosi verso il cuore della montagna, e un sistema museale con sezioni geo-speleologica e botanico-paesaggistica, dando vita ad iniziative mirate a promuovere le risorse ambientali e culturali del territorio di riferimento, inserito nelle rete UNESCO dei Geoparchi.

Info
www.fondazionemida.it
www.grottedipertosa-auletta.it
www.dissonanzen.it
www.ensemblebaroccodinapoli.it
www.tommasorossi.it

ufficio stampa per Dissonanzen:
Giusi Zippo
mob. 3396276954
e-mail: giusizippo@alice.it

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Trabaci: Musica per organo e clavicembalo

Copertina cd Trabaci - Musica per organo e clavicembaloGiovanni Maria Trabaci (1575-1647) rientra in quella vasta categoria di autori famosissimi in vita, ben presto dimenticati una volta morti.
Nato a Montepeloso (oggi Irsina), in provincia di Matera, nel 1594 si spostò a Napoli dove entrò nel coro della chiesa della SS. Annunziata.
Qualche anno dopo fu nominato organista titolare dell’oratorio dei padri Filippini, oggi appartenente al complesso monumentale dei Girolamini.
Ebbe come docente, fra gli altri, il franco-fiammingo Jean de Macque, che avrebbe poi sostituito nel ruolo di maestro della Reale Cappella, primo italiano a ricoprire tale incarico prestigioso.
La produzione di Trabaci, conservata in parte nella biblioteca dei Girolamini, comprende numerosi pezzi sacri vocali e due volumi, pubblicati a Napoli rispettivamente nel 1603 e nel 1615, dedicati alla musica per strumenti a tastiera.
Un’ampia panoramica, relativa a queste due raccolte, è contenuta in un recente doppio cd della casa olandese Brilliant Classics (distribuita in Italia da Ducale Music).
L’esecuzione è affidata a Francesco Cera che, nel primo disco, suona un organo di fine Cinquecento, ancora in ottimo stato, collocato nella chiesa di Sant’Antonio di Salandra (Matera), mentre per i pezzi clavicembalistici si avvale della copia di uno strumento napoletano della metà del XVII secolo, conservato in Olanda.
Dall’ascolto complessivo si ricava, innanzitutto, come lo stile di Trabaci anticipi quei tratti salienti che contraddistingueranno la musica di Frescobaldi.
Inoltre è possibile farsi un’idea dei generi musicali in auge all’epoca nonché della costante ricerca, da parte del compositore, di dare vita a brani innovativi, ricchi di arditezze, in un periodo che, per sperimentazione, fu secondo solo al Novecento.
Tutto questo viene pienamente evidenziato anche grazie alla magistrale interpretazione del maestro Cera, attualmente uno dei massimi esperti del repertorio di Giovanni Maria Trabaci, abile nel riportarci alle suggestive atmosfere del Seicento.
Ricordiamo ancora l’apporto, nel Magnificat, della Polifonica Materana “Pierluigi da Palestrina”, diretta da Carmine Materazzo, piccolo ma significativo contributo ad un’incisione, sicuramente di riferimento, che restituisce al grande pubblico uno dei più interessanti compositori del suo tempo.
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