Un concerto tutto mozartiano, questo: apertura con l’Ouverture dal Don Giovanni, prima dei due concerti per Pianoforte e Orchestra tra i più amati del Salisburghese: K 488 e K 466.
Sul podio, a dirigere l’Orchestra stabile del Massimo napoletano il francese Patrick Fournillier, classe ’54, una carriera fitta di presenze internazionali prestigiose, tra cui le recenti esperienze in teatri come il Metropolitan di New York e Washington Opera.

L’Ouverture dal Don Giovanni (prima rappresentazione al Nationaltheater di Praga, il 29 ottobre del 1787) è fra i capolavori indiscussi del trentunenne Amadè, capace di sucitare unanime entusiasmo, fra gli altri, in scrittori celebri come Johann Wolfgang Goethe, Alphonse de Lamartine passando Gustave Flaubert. Poggi e Vallora, a proposito della famosa leggenda sull’Ouverture (probabilmente non veritiera) citano Stendhal: “Mozart vi lavorò solo la notte avanti la prima rappresentazione, quando aveva già avuto luogo la prova generale… Lo sforzo di tenersi desto, quel continuo alternarsi di veglia e di sonno…. alle sette dovevano venire i copisti e quando puntualmente arrivarono, l’opera era finita!”.

Il concerto K. 488 (datato 2 marzo 1786) composto assieme alle ultime pagine de Le nozze di Figaro, è considerato fra le più limpide e cristalline pagine della letteratura pianistica di ogni tempo, tanto che Einstein lo paragonò alla “trasparenza di una vetrata a colori”.
La composizione costò a Mozart un duro e sofferto lavoro, come risulta dai numerosi tentativi abbandonati.
Il risultato fu una composizione affascinante e perfetta in cui il sentimento dominante è il dolore, trasfigurato però attraverso la più assoluta eleganza formale.

Il concerto K. 466, di colorazione preromantica (è del 1785), nacque di getto a poche ore dall’Accademia per la quale era stato programmato, e si narra che lo stesso Mozart, nella doppia veste di compositore ed esecutore, lo abbia presentato al pubblico senza nemmeno una prova.
Il K 466 era anche il concerto mozartiano prediletto da Beethoven, che lo eseguì il 31 marzo del 1791 tra un atto e l’altro della Clemenza di Tito, nella serata organizzata dalla vedova Mozart all’Hofburgtheater.

Aldo Ciccolini, napoletano, classe 1925, è erede incontrastato di una scuola storica e gloriosa. “Enfant prodige” debutta al Teatro San Carlo di Napoli nel 1941, a soli 16 anni.
A Parigi (ha 24 anni) vince il prestigioso Marguerite Long – Jacques Thibaud. Furtwängler, Ansermet, Kleiber, Prêtre, Maazel, Ceccato, Gavazzeni, Martinon, Monteux, Plasson sono solo alcuni dei grandi artisti con cui ha collaborato nel corso della sua lunga carriera.
La sua produzione discografica annovera oltre 100 incisioni tra le etichette più prestigiose, con l’opera per pianoforte di Debussy nel 1993 riceve il Diapason d’Or. Ciccolini è Accademico di Santa Cecilia, Officier de la Légion d’Honneur e de l’Ordre National du Mérite, Commandeur des Arts et Lettres, Prix Edison de l’Académie Charles Cros, della National Academy of Recordings Arts negli USA, tre volte Gran Prix du Disque in Francia e Medaglia d’Oro all’Arte ed alla Cultura ricevuta dal Presidente della Repubblica Italiana. Professore al Conservatoire National Supérieur de Musique a Parigi, non ha mai rinunciato alla sua vocazione di pedagogo.

Patrick Fournillier è stato direttore musicale dell’Esplanade-Opéra di Saint-Etienne e direttore musicale del Festival Massenet di Saint-Etienne, dove ha diretto e registrato opere di rara esecuzione aggiudicandosi per due volte il premio Orphée d’Or.
In Italia ha debuttato al Ravenna Festival con La Muette de Portici di Auber per poi essere invitato alla Fenice di Venezia per Tosca.
Al Teatro alla Scala ha diretto una nuova produzione di Faust e Undine di Henze. Nelle ultime stagioni si è esibito con successo al Teatro Regio di Torino (Don Quichotte), all’Opéra des Flandres (Werther), alla Deutsche Oper di Berlino (Lucia di Lammermoor, Semiramide), al Ravenna Festival (Faust), a Oslo e a Seattle. Collabora abitualmente con molte orchestre europee come l’Orchestre de Chambre d’Europe, la Filarmonica Ceca, l’Orchestra del Gran Teatre de Liceu di Barcellona, l’Orchestre Philharmonique da Radio-France, l’Orchestre National de Bordeaux-Aquitaine, la Filarmonica di Varsavia, l’Orchestre National de l’Opéra de Paris e quella dell’Opéra de Lyon, l’Orchestra Sinfonica di Praga, l’Orchestra del Teatro Comunale di Bologna, l’Orchestra Filarmonica della Scala e la BBC Symphony Orchestra.

Biglietti a partire da 20 euro
(infoline: 081.7972331-412-468; biglietteria@teatrosancarlo.it)

Prossimo appuntamento della Stagione Sinfonica venerdì 23 marzo (con replica il 24).
Salirà sul podio Nicola Luisotti – neodirettore musicale del Teatro di San Carlo – che, dopo il debutto de I Masnadieri di Verdi il 21 marzo, dirigerà orchestra e coro stabili (quest’ultimo preparato da Salvatore Caputo) nella Messa di Gloria per coro e orchestra di Giacomo Puccini.
Solisti: il tenore Stefano Secco, il baritono Artur Rucinski e il basso Giacomo Prestia.

Ufficio Stampa Teatro di San Carlo
tel. 081.7972301-202;
email: ufficiostampa@teatrosancarlo.it

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I biglietti per assistere al concerto (interi 25, 21 o 18 euro, ridotti 8 euro per studenti, giovani sotto i 26 anni e over 65) saranno in vendita giovedì 23 febbraio dalle ore 16 alle ore 18.30 a Palazzo Chigi Saracini e venerdì 24 febbraio a partire dalle ore 16 al teatro dei Rinnovati.

Per informazioni è possibile rivolgersi all’Accademia Musicale Chigiana, tel. 0577 22091, www.chigiana.it.

Ufficio stampa Accademia Musicale Chigiana
Agenzia Freelance
tel. 0577 219228 – 272123
Sonia Corsi
cell. 335 1979765
Agnese Fanfani
cell. 335 1979385
e-mail: relazioni@chigiana.it o info@agfreelance.it
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Coro del Maggio Musicale Fiorentino
Il Coro del Maggio Musicale Fiorentino, formatosi nel 1933 (anno di nascita dell’omonimo Festival) sotto la guida di Andrea Morosini, si qualifica come uno dei più prestigiosi complessi vocali italiani nell’ambito sia dell’attività lirica sia di quella sinfonica.
A Morosini subentrano Adolfo Fanfani, Roberto Gabbiani, Vittorio Sicuri, Marco Balderi e José Luis Basso. Dal novembre 2004 Maestro del Coro è Piero Monti.
L’attività del Coro si è sviluppata anche nel settore della vocalità da camera e della musica contemporanea, con importanti prime esecuzioni di compositori del nostro tempo quali Penderecki, Dallapiccola, Petrassi, Nono, Bussotti.
Particolarmente significativa la collaborazione con molti dei maggiori direttori.
Negli ultimi anni il Coro amplia il proprio repertorio alle maggiori composizioni sinfonico-corali classiche e moderne.
Partecipa alle più importanti tournées sia con l’Orchestra del Maggio sia come complesso autonomo.
La disponibilità e la capacità di interpretare lavori di epoche e stili diversi in lingua originale sono caratteristiche che hanno reso il Coro del Maggio fra le compagini più duttili e apprezzate dai direttori d’orchestra e dalla critica nel panorama internazionale.
Nel 2003 vince con Renée Fleming il Grammy Award per il cd Belcanto.
Ha avviato una virtuosa e intensa collaborazione con Lorin Maazel e la Symphonica Toscanini. Negli ultimi anni ha sviluppato un’intensa collaborazione con Ravenna Festival e Riccardo Muti, nonché con l’Orchestra Regionale Toscana e la Camerata Strumentale di Prato.

Piero Monti
Piero Monti, nato a Faenza nel 1957, compie gli studi musicali al Conservatorio L. Cherubini di Firenze, dove si diploma in musica corale e direzione di coro nel 1979.
Dal 1979 è Maestro collaboratore di sala e di palcoscenico al Teatro Comunale di Bologna, passando poi al ruolo di Direttore musicale di palcoscenico.
Dal 1988 al 2002 assume la direzione del Coro. All’inizio del 2003 è invitato alla direzione del Coro del Teatro La Fenice di Venezia, con il quale partecipa alla riapertura del teatro restaurato. Ha collaborato con molti dei più illustri maestri.
Dal novembre 2004 assume la direzione del Coro del Maggio Musicale Fiorentino, con il quale, oltre a prendere parte agli spettacoli delle stagioni e del Festival, dirige più volte la Petite Messe Solennelle di Rossini e i Carmina Burana di Orff, nonché musiche corali del Novecento per Settembre Musica (2007) e un concerto cherubiniano al Maggio Musicale 2010.
Recentemente dirige la Deutsche Messe di Schubert e la Messa di Gloria di Puccini con il Coro del Maggio e l’Orchestra Regionale della Toscana nel Concerto di Natale 2010. Partecipa con il Coro alla recente tournée del Maggio in Giappone.

Gabriella Cecchi
Nata a Firenze, Gabriella Cecchi si è diplomata in canto presso il Conservatorio L. Cherubini della sua città sotto la guida di Desderi e si è perfezionata con L. Poli, P. von Schilhawski e, presso il Conservatorio di Monaco di Baviera, di E. Ameling, R. Jansen e W. Barry.
Ha tenuto numerosi concerti di musica rinascimentale, barocca e contemporanea in Italia e all’estero, partecipando a molte delle più importanti rassegne.
Ha inciso per Edi-Pan, Fonit Cetra, Nuova Era e partecipato a trasmissioni per conto della Rai. Attualmente collabora anche con l’insieme vocale e strumentale L’Homme Armé di Firenze.
Fa parte del Coro del Maggio Musicale Fiorentino.

Davide Cusumano
Davide Cusumano, tenore e controtenore, è nato nel 1968 a Bari, nel cui Conservatorio ha compiuto gli studi musicali di canto e dove si è perfezionato con Nigel Rogers.
Vincitore nel 1998 del Concorso Nazionale Samuele Pagano, debutta nel ruolo di Bastiano nel Bastiano e Bastiana di Mozart.
Nel 1998 ha partecipato alla prima rappresentazione scenica moderna del Palazzo Incantato di Atlante di Luigi Rossi. Attualmente fa parte del Coro del Maggio Musicale Fiorentino.
Nel 2008 partecipa in qualità di lead vocal con accompagnamento orchestrale alla realizzazione di un cd intitolato Dos Almas di Enrico Andreini e Sandra von Borries.

Antonio Menicucci
Antonio Menicucci è nato a Volterra nel 1960.
Ha studiato con Rina del Monaco, moglie del grande tenore, e con Arrigo Pola, maestro di Luciano Pavarotti, diplomandosi al Conservatorio di Livorno.
Giovanissimo esordisce alla Scala di Milano come cantante-attore in un’opera di Sylvano Bussotti. Ha collaborato con il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino in numerose occasioni. Ha interpretato ruoli nella Traviata e nella Fanciulla del West al Teatro Carlo Felice di Genova.
Ha lavorato anche come Maestro del Coro al Teatro di Salerno nella stagione 1999-2000 e di Torre del Lago Puccini.

Andrea Severi
Nato a Montevarchi, Andrea Severi si è diplomato presso il Conservatorio L. Cherubini di Firenze in pianoforte con Lidya Rocchetti e musica da camera con Franco Rossi frequentando inoltre corsi di organo e clavicembalo con Daniel Chorzempa e Clemente Terni.
Tiene numerosi concerti sia come solista sia in formazioni cameristiche in Italia e all’estero, effettuando numerose registrazioni televisive e radiofoniche per la Rai, Radio France Antenne 2 e incisioni discografiche con Decca, Sony, Emi, Philips, Rca Victor. Ha collaborato con le più importanti istituzioni e festival italiani.
Dal 1981 è collaboratore pianistico del Teatro Comunale di Firenze.

Andrea Secchi
Andrea Secchi si è diplomato cum laude nel 1994 presso il Conservatorio L. Cherubini di Firenze sotto la guida di Giorgio Sacchetti.
Si è perfezionato con Badura-Skoda, Achucarro e Pollini presso l’Accademia Chigiana di Siena e con Lucchesini presso l’Accademia di Pinerolo.
Si è esibito sia come solista sia in formazioni da camera in numerose stagioni concertistiche in Italia e all’estero.
Ha vinto oltre venti concorsi nazionali e internazionali, ottenendo anche premi speciali per le migliori interpretazioni di Bach, Mozart, Schubert e Schoenberg.
Dal 2005 è Aiuto Maestro del Coro del Maggio Musicale Fiorentino.

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In programma musiche di A. Scarlatti, D. Scarlatti, F. Durante, S. Alfonso Maria de’ Liguori, J. S. Bach, G. M. Trabaci, G. Salvatore.

Alla serata interverranno Paola Liguoro di Presicce ed il professor Girolamo de’ Liguori, titolare della Cattedra di Filosofia all’Università di Parma, entrambi discendenti di S. Alfonso

Ingresso a inviti

Per ulteriori informazioni contattare i seguenti numeri di telefono:
335 436557 e 329 9721951

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Per ulteriori informazioni:

Conservatorio di
via San Pietro a Majella 35
80138 Napoli
tel.: 081 5644411
fax: 0815644415
sito web: www.sanpietroamajella.it

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Per ulteriori informazioni
Area Arte
Associazione Culturale Mediterranea
Centro di ricerca sul ‘700 Napoletano
Via S.Pasquale a Chiaia, 49
Napoli
Tel.: 081-405000 – 081-426161
Cell.: 3472430342
e-mail: areaarte@lemusichedacamera.it;ensemble@lemusichedacamera.it
sito web: www.lemusichedacamera.it

Teatro Sancarluccio
Via San Pasquale a Chiaia, 49
80121 Napoli
Tel: 081405000
Fax: 081426161
e-mail: sancarluccio@teatrosancarluccio.com
Sito web: www.teatrosancarluccio.com

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Morano e Rosicca – Intermezzi comici di Francesco Feo dall’opera “Siface re di Numidia”
(Trascrizione moderna della partitura a cura di Egidio Mastrominico)
Prima rappresentazione: Teatro San Bartolomeo 13 maggio 1723

Argomento

(I intermezzo)
Dall’opera “Siface re di Numidia” sbuca al proscenio Morano, seguace della corte numida, bel moro aitante e cacciatore di dote.
Si è travestito da donna, nella foggia di un favoloso settecento africano, per sfuggire alla vendetta di Rosicca, da lui stesso ingannata e derubata della dote.
Costei lo insegue nelle vesti di Monsieur Lafton, capitano di nave diretto a Marsiglia.
Ma un equivoco è in agguato ai danni di Morano: due mori lo scambiano per l’amata contesa e tentano di usargli violenza.
Rosicca se la ride.

(II intermezzo)
Morano, riacquistati gli abiti maschili per imbarcarsi sulla nave del Capitano Lafton, incontra Rosicca, travestita da borgognona, che in un improbabile francese gli narra le sue disgrazie amorose.
Anche stavolta Morano è tentato di sedurla con promesse di matrimonio per arricchirsi della dote.
Ma l’inganno è ormai scoperto e Rosicca gli si rivela, minacciandolo di morte.
La persuasività dell’argomento lo induce a tener fede alle promesse fatte.

Note musicologiche di Pier Paolo De Martino

E’ un dato di fatto acquisito in tempi relativamente recenti dalla ricerca musicologica che la storia dell’intermezzo comico napoletano sia stata determinata dalle coppie di cantanti operanti stabilmente in questo particolare settore dello spettacolo musicale settecentesco, prima ancora che dalle istituzioni teatrali, dai librettisti e dai compositori.
In sostanza “buffi” e “buffe” (così erano appunto definiti i cantanti specialisti di parti comiche) «furono il vero punto di riferimento sul quale convergevano da un lato l’attività degli organizzatori (l’impresario) e degli autori (poeta e musicista), dall’altro le aspettative dei fruitori» (Franco Piperno), in un ambito destinato a catalizzare nella sfera del teatro musicale esigenze spettacolari che fino a quel momento erano state assolte esclusivamente dal teatro non letterario, in particolare dalla commedia dell’arte.
Le caratteristiche di questi cantanti differivano notevolmente da quelle dei loro colleghi dell’opera seria; la tecnica vocale infatti era solo una delle componenti di un profilo professionale che richiedeva la capacità di recitare e di caricare istrionicamente il canto sino a cavarne effetti comici, la capacità di ballare, tirare di scherma e sostenere ruoli en travesti.
Protagonista assoluto di quest’arte, nella prima metà del secolo a Napoli, fu Gioacchino Corrado, basso buffo che dal 1711 al 1735 fu attivo in pianta stabile al Teatro San Bartolomeo, dove interpretò quasi un centinaio di intermezzi, spesso concepiti appositamente per lui.
Proprio Corrado, in coppia con Santa Marchesini, altra celebre “buffa” di quel tempo, fu il protagonista di Morano e Rosicca, titolo dato ai due intermezzi posti all’interno del Siface re di Numidia – melodramma metastasiano messo in musica da Francesco Feo e rappresentato nel maggio 1723 con «universale applauso di tutti quelli che l’ascoltarono» (Avvisi del Parrino dell’11 maggio di quell’anno).
Siamo ancora nella prima fase della storia dell’intermezzo, nella quale i legami con il dramma non si sono ancora sciolti fino al punto di rendere completamente autonomo il libretto e i personaggi dello spettacolo comico.
Questa dimensione non compiutamente autosufficiente si coglie anche nella partitura di Feo.
Non era nelle intenzioni (e forse neanche nelle corde) di questo compositore esprimere comicità in sé e per sé, ma la sua musica tuttavia contiene degli effetti interessanti, in gran parte derivati dalla tradizione delle “scene buffe” seicentesche.
Se nei duetti, Che diabulo volire e M’amerai, tanto tanto, prevale un ductus fortemente ritmico che oppone in un serrato contrasto dialettico voci e orchestra, le due arie di Rosicca (La donna sta in possesso e Je suis trop infelice) e la seconda aria di Morano (Chi son io?) sono quasi interamente giocate sul filo del rapporto tra suono e silenzio: la trama del canto è infatti più volte sospesa da pause destinate probabilmente ad essere “riempite” dalla gestualità.
Altre interruzioni della linea del canto, a livello di testo e di musica, sono operate attraverso l’inopinato irrompere di brevi recitativi nei punti di snodo da una sezione all’altra delle arie.
E’ soprattutto dal punto di vista puramente comico che Morano e Rosicca rappresenta bene il contesto e il genere a cui appartiene, nella sua fisionomia di farsa priva di risvolti satirici, basata sui contrasti e sui diversi piani di inganno e verità che scaturiscono dal gioco delle parti: entrambi i protagonisti hanno in mente un piano preciso che cercano di mettere in atto, ma naturalmente sarà solo il personaggio femminile ad avere successo.
Più che su un’azione ben definita, è però proprio sul ruolo sostenuto dai due “buffi” – e dunque sull’istrionica verve che ci si poteva attendere da una coppia di specialistici come Gioacchino Corrado e Santa Marchesini – che si basa la pièce.
L’opposizione tra Morano in fuga e Rosicca all’inseguimento, buffa già di per sé, è caricata in senso comico da due artifici tipici dell’intermezzo: la tecnica drammaturgica del travestimento, nel primo atto spinto fino al cambiamento di sesso, e la contaminazione linguistica che mescola italiano, francese, napoletano, spagnolo, arabo e una fantasiosa parlata africana.

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Guarda il Trailer del 19 marzo:

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La Francia è stata, nel corso del novecento, la prima nazione ad accogliere il jazz sia per quanto riguarda le sonorità che, più concretamente, ospitando per periodi lunghi e creativi i musicisti ed è stata anche la prima a produrre una propria scena nazionale con le esperienze seminali e imprescindibili di Django Reinhardt e Stephane Grappelli, con la generazione venuta alla ribalta subito dopo la seocnda guerra mondiale e, non ultimo, con la vitalità dei propri club e dei festival francesi.

Il jazz europeo visto attraverso quattro delle scene più interessanti sia per quello che hanno rappresentato nel corso del novecento che per la vitalità e le esperienze dei musicisti di oggi.
Nei quattro appuntamenti, condotti da Marco Di Battista e Fabio Ciminiera, verrà esplorato il panorama del jazz in Spagna, Balcani, Francia e Scandinavia: musicisti, festival, l’ambiente in cui si sviluppa il jazz e le direzioni prese dai suoi interpreti.

Contatti
Libreria Primo Moroni
Via Quarto dei Mille 29
Pescara
Tel.: +39.085.4429521
e-mail: movimentazioni_pe@email.it
web: www.libreriaprimomoroni.org

Fabio Ciminiera
Jazz Convention Team
web: www.jazzconvention.net; www.twitter.com/jazzconvention
e-mail: fabiociminiera@jazzconvention.net
mob: +39.347.4098632
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Programma degli incontri

Giovedì 26.1.2012
Il Jazz in Europa. Spagna.

Giovedì 9.2.2012
Il Jazz in Europa. Balcani.

Giovedì 23.2.2012
Il Jazz in Europa. Francia.

Giovedì 1.3.2012
Il Jazz in Europa. Scandinavia.

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Costo del biglietto: 10 Euro

Innanzitutto un viaggio tra la gente (note del maestro Gaetano Panariello)

Volevo celebrare il 150° dell’Unità d’Italia con un doppio obiettivo: da un lato raccontare l’Italia dell’arte, della cultura, della storia, dei paesaggi e delle bellezze naturalistiche, dall’altro sottolineare al pubblico dei giovani a cui l’opera si rivolge, che le tematiche del lavoro, della famiglia, dell’amore, della ritualità delle feste, sono praticamente identiche in tutta la penisola e che i dialetti regionali – apparente diversità – sono invece la caratteristica che rende le stesse sempre vere, vive ed attuali.
Il tutto alla luce di una constatazione fondamentale, che il cuore dell’opera nel numero intitolato GUARDA LA GENTE, mette palesemente a fuoco: “siamo tutti diversi ma tutti italiani!”.
Nel graduale processo di avvicinamento a questa considerazione mi sono servito, da una parte, degli spunti offerti dalla ampia letteratura di viaggio nella nostra penisola (su tutti il “Viaggio in Italia” di Wolfgang Goethe – ma ci sono riferimenti alla “Old Calabria” di Norman Douglas, al “Diario di un viaggio a piedi” di Edward Lear…..), dall’altra dello sconfinato repertorio di canto popolare appartenente alle diverse regioni italiane.
Operando in maniera creativa sui frammenti dei diari di viaggio (per lo più sono evidentemente “inventati” à la manière de) e “ricomponendo” i canti popolari (la riscrittura orchestrale e vocale segue in maniera omogenea gli spunti stilistici dichiarati sin dai primi due numeri – “Si parte, evviva” e “Il treno Fantastitalia” – che hanno quasi caratteristiche da musical) ho elaborato un’opera che indugiasse non tanto sulla descrizione “del” nostro paese quanto piuttosto sulla descrizione delle impressioni ricevute “dal” nostro paese e “dalla” nostra gente.
Il treno FANTASTITALIA 18-3-861 che può, con la velocità del pensiero, passare da una regione ad un’altra alla sola lettura delle pagine di un “Diario di viaggio” un po’ speciale, rappresenta il mezzo con il quale i giovani possono capire e superare le “diversità” pur esistenti tra Nord e Sud, tra città e città, talvolta tra quartiere e quartiere: è l’ITALIA stessa su cui quotidianamente “viaggiano” uomini e donne diversi (emblematica la metafora degli artisti del coro che si “trasformano” continuamente a contatto con testi e dialetti carichi di storia pur rimanendo “uniti” nella “necessità” della realizzazione artistica).
Il personaggio della “guida” si presta a più livelli di lettura: è elemento tecnico dello svolgimento dello spettacolo, semplice trait d’union dei vari numeri di cui si compone l’opera, ma al contempo diviene metafora dell’Italiano: arriva in ritardo alla stazione pur essendo il “motore” del treno, e di fronte alla difficoltà recupera tutte le virtù “simbolo” per eccellenza di italianità: estro, creatività, fantasia, intelligenza riuscendo comunque ad esercitare il suo fondamentale ruolo di guida del treno e risolvendo, di fatto il problema da lui stesso creato.
Il Viaggio continua…………buon compleanno, Italia!

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